A San Casciano in Val di Pesa, on est au cœur du Chianti Classico, entre Florence et Sienne.

C’est une colline inoccupée que l’architecte Marco Casamonti, d’Archea Associati à Florence, propose de remodeler selon les souhaits de la famille Antinori, sur leurs terres d’origine. Une excavation gigantesque de 50’000 m3 pour y loger un vaste programme,

qui va de la collecte des raisins, leur fermentation en barriques de chêne, la mise en bouteille et le conditionnement, auquel s’ajoute tous les services nécessaires à cette entreprise centenaire, des bureaux, un magasin, une école d’oenologie, une cafétéria et des salles de dégustation s’avançant en porte-à-faux dans les caves.

Au final, la construction, recouverte de vigne, se fond dans le paysage grandiose des collines toscanes.

Les lignes courbes des baies vitrées suivent les courbes de niveaux, créant des terrasses à l’impact minimal sur le terrain naturel.

Deux coupes horizontales dans le talus existant suivent les courbes de niveau, ombrageant de leurs surplombs les différents niveaux inférieurs.

Les grandes caves abritant les tonneaux sont couvertes de plafonds voûtés en tuiles de terre cuite suspendues une à une à la main, les espaces communs intérieurs sont revêtus de lattes de chêne rugueuses, tandis que l’acier Corten rouillé des parties exposées se fond avec les teintes du sol environnant.

Le bâtiment est accessible au public, on y déguste les vins de la famille Antinori, qui cultive des vignes depuis… 26 générations, mondialement connus grâce au succès du Tignanello, précurseur des vins de qualité vieillis en fûts et premier des prestigieux «super toscans» dont on parle tant aujourd’hui.

L’article La cave Marchesi Antinori, inaugurée en 2012 n’a pas pris une ride, elle est là pour des siècles est apparu en premier sur ARCHITECTES MAGAZINE.

Renseignements sur www.ekl.ch

La Villa Kenwin a été réalisée en 1931 par l’architecte allemand Hermann Henselmann sur les plans dressés quelques années auparavant par Alexandre Ferenczy. Réhabilitée il y a maintenant plus de 30 ans par l’architecte Giovanni Pezzoli qui y réside depuis, elle s’ouvre ponctuellement au public à l’occasion des expositions artistiques qu’elle abrite.

Cette demeure remarquable, restaurée au plus près de l’esprit d’origine, est une épure du style bauhaus, rationalisme des formes et fonctionnalisme des volumes. Un modernisme saisissant, sublimé par la beauté des vues cadrées sur le Lac et le parc.

L’article Expo à la Villa Kenwin est apparu en premier sur ARCHITECTES MAGAZINE.

Lire l’article complet (en anglais)

Les miniatures faites à la main de l’artiste allemand recréent des scènes apparemment normales qui, après un examen plus approfondi, révèlent un scénario surréaliste.

Pendant la pandémie Kunert a créé une pièce avec vue.

Comme pour beaucoup d’autres créatifs, la pandémie et le verrouillage du coronavirus ont trouvé leur place dans son art.

Dans ce dernier travail, ce qui semble être un salon minimal avec une fenêtre du sol au plafond a une élégante chaise longue du milieu du siècle qui se transforme en un plongeoir qui dépasse dans les nuages.

Dans Under The Bridge, une colonne de support pour un dépliant d’autoroute a été convertie en une jolie petite maison de ville, et dans Climbing Holidays, un motel en bord de route n’est accessible que via un pylône à échelons.

« Tout commence par une idée qui traite de l’absurdité de la vie », a déclaré l’artiste. « Ces idées se développent en jouant avec les mots et les phrases. La communication et les manières parfois assez étranges de traiter les gens sont un sujet interminable dans mon travail », a-t-il ajouté.

Kunert trouve son humour noir en exagérant les indignités de la vie urbaine dans ses modèles, qu’il fabrique à partir de matériaux du quotidien.

Pour une place au soleil, il utilise des balcons pour illustrer la vie des nantis et des démunis, où un nouveau développement brillant a une terrasse extérieure qui se trouve en porte-à-faux sur le balcon de leur voisin minable en dessous, lui bloquant la lumière.

Les scènes n’impliquent jamais une copie directe d’un bâtiment existant, mais Kunert dit qu’il trouve tous les styles d’architecture et architecturaux « passionnants ».

«Je m’inspire souvent d’une architecture très ordinaire, parfois« laide» ou ennuyeuse», explique-t-il.

« Mais aucun des bâtiments de mes photographies n’existe dans la réalité. C’est souvent un élément typique ou un certain symbole pour un style architectural ou une époque plutôt que l’ensemble du bâtiment lui-même qui attire mon attention. »

Ayant commencé à faire des modèles dans les années 80, Kunert a construit son premier ensemble architectural pour la photographie en 1994. Il commence par esquisser la scène, dit-il, avant de passer au processus de création de modèles.

Pour fabriquer les murs du bâtiment, il utilise des panneaux de mousse, des bâtons de bois et du carton qu’il se procure dans les magasins de fournitures d’art. Kunert parcourt les magasins de maisons de poupées et les marchés aux puces à la recherche d’objets miniatures tels que des tasses et des tapis à motifs.

Biographie
Frank Kunert (né en 1963 à Francfort-sur-le-Main) a grandi dans la région Rhin-Main et a commencé à photographier à l’adolescence, alors qu’il s’intéressait particulièrement à la photographie de paysage. Après avoir terminé ses études secondaires, il a suivi une formation de photographe et a nourri son amour pour le travail en studio. Il reste fidèle à cette quête même aujourd’hui et il se concentre depuis longtemps sur la conception et la photographie de scènes miniatures.

L’article Pandemic Art est apparu en premier sur ARCHITECTES MAGAZINE.

Quand architectes et artistes travaillent main dans la main, et collaborent plutôt que de cohabiter, leurs créations naissent enrichies d’une âme unique.

L’architecture et l’art se mêlent. Leur transversalité, c’est exposer une oeuvre hors des lieux qui lui sont habituellement consacrés. Un contexte dans lequel on ne s’attend pas à voir une réalisation artistique, dans lequel on n’a pas cherché à la voir, comme si l’on pénètre sciemment dans un musée ou une galerie. De même que le street art investit la rue et l’espace public de façon péremptoire, s’accrochant à un support aléatoire ou éphémère, pour surgir dans la progression effrénée du passant lambda, l’oeuvre artistique décloisonnée suscite une réaction forte, une surprise, voire une incompréhension, capable de générer une émotion en créant un spectacle inopiné…

page_10_BILAN_DYOD page_11_BILAN_DYOD

L’article Quand architectes et artistes collaborent est apparu en premier sur ARCHITECTES MAGAZINE.

Trois espaces publics sous le même toit.

Kengo Kuma signe le bâtiment ArtLab, longtemps connu sous le nom de projet « Under One Roof », au coeur du campus de l’EPFL.

Long de près de 250 mètres, son toit d’ardoise recouvre trois espaces distincts, tous dédiés au dialogue de la science et de la culture.

Voir le site du Photographe

Le bâtiment ArtLab et les programmes scientifiques qui lui sont associés déclinent sous plusieurs formes le dialogue que peuvent nouer la science et l’art.

Tout au sud, le Montreux Jazz Café at EPFL est dédié à la mise en valeur des archives du célèbre festival, inscrites au Registre de la Mémoire du monde de l’UNESCO. Responsable de la numérisation et de la conservation des enregistrements dans le cadre du Montreux Jazz Digital Project, l’EPFL a également mis au point des dispositifs d’écoute, de navigation et de visualisation des archives qui seront à la disposition des visiteurs. Le Montreux Jazz Heritage Lab II, notamment, permet de se plonger en immersion complète dans les concerts montreusiens.

Au centre du bâtiment, un vaste espace d’expérimentation muséale propose des expositions organisées conjointement avec l’EPFL. Lors de la première exposition intitulée Noir, c’est noir ?, les laboratoires de l’EPFL et les start-up qui en sont issues ont mis leurs recherches et leurs technologies au service d’une approche inédite des Outrenoirs de Pierre Soulages – faisant appel notamment à des caméras hyperspectrales. L’exposition souhaitait ainsi explorer les interactions de la lumière sur les oeuvres de l’artiste.

Tout au nord enfin, le DataSquare est dédié à une expositionde longue durée sur la thématique du big data, ici incarnée par deux grands projets scientifiques de l’EPFL: Blue Brain Project et Venice Time Machine. Ces deux projets, particulièrement complexes, partagent un même rapport aux données et un besoin de diffusion vers le public. Ces trois nouveaux espaces publics donnent une nouvelle vie au campus. ArtLab borde la Place Cosandey qui s’étend de l’Esplanade au Rolex Learning Center. Ce vaste espace est appelé à devenir un point de rencontre et de détente apprécié de la communauté, grâce
à une complète réorganisation en cours, comme l’exprime très bien l’architecte:

Ce vaste site nous offrait la possibilité d’implanter les pavillons en de nombreux endroits et dans diverses configurations. Finalement, nous avons décidé de réunir les trois pavillons nécessaires en un seul bâtiment, très long et étroit, capable de faire passer le site de l’état de vide dysfonctionnel à celui d’interface de connexion du campus: Le toit, de 250 mètres de longueur, abrite et accompagne le flot des étudiants qui marchent, plusieurs fois par jour, de l’Esplanade, au nord, à leurs résidences au sud. Les portiques ménagés entre les volumes, sous le toit, sont alignés avec la rue principale venant de l’ouest, conduisant aux parkings publics principaux, et avec la nouvelle avenue arborisée venant de l’est.

De la sorte, les portiques offrent une perméabilité à travers le bâtiment, de manière à rapprocher et relier les deux côtés du campus.Par la transformation du site en un lieu où étudiants, professeurs et visiteurs circuleront avec plaisir tous les jours, tout en profitant des activités culturelles qui prendront place sous ce toit, cet ensemble deviendra le nouveau centre du campus, et apportera une dimension sociale et culturelle supplémentaire à l’EPFL.
Kengo Kuma

Kengo Kuma & Associates

Kengo Kuma, né en 1954, suit des études d’architecture à l’Université de Tokyo avant de rejoindre Columbia University (New York). Il fonde le «Spatial Design Studio» en 1987 puis, en 1990, le bureau Kengo Kuma & Associates (KKAA), qui compte aujourd’hui plus de cent collaborateurs à Tokyo et plus d’une vingtaine à Paris. Kengo Kuma a enseigné à Columbia University, à la University of Illinois at Urbana-Champaign, et à Keio University, où il obtient également un doctorat en architecture en 2008. Il est actuellement professeur à la Graduate School of Architecture de l’Université de Tokyo, où il supervise des projets de recherche en architecture, urbanisme et design au sein de son propre laboratoire, le Kuma Lab. Sa vision entend redonner vie aux traditions architecturales japonaises et les réinterpréter pour le 21e siècle. Il aborde les matériaux de manière scientifique et les exploite de manière à conférer grâce et légèreté à ses projets. La pierre peut ainsi paraître aussi aérienne que du bois ou du verre.

« Un lieu, c’est l’aboutissement du travail du temps et de la nature, estime-t-il. Je pense que mon architecture encadre ces oeuvres, ce qui permet d’éprouver plus profondément et plus intimement la nature. La transparence étant l’une des caractéristiques de l’architecture japonaise, j’essaie d’utiliser la lumière et des matériaux naturels pour développer de nouvelles sortes de transparences. »

Plusieurs musées comptent parmi ses nombreuses réalisations au Japon et dans le monde, y compris le Nezu Museum de Tokyo ainsi que la Cité des Arts et de la Culture de Besançon et le Fonds régional d’art contemporain (Frac) de Marseille, tous deux ouverts en 2013. Le bâtiment ArtLab (nom de projet : Under One Roof) est sa première réalisation en Suisse. Aux côtés de David Chipperfield, Kengo Kuma est également le vice-président du jury supervisant le concours d’architecture de la phase 2 du projet «Plateforme 10» (anciennement Pôle muséal vaudois).

Voir la présentation complète sur DYOD

L’article ArtLab Carrefour de la Science et des Arts à l’EPFL est apparu en premier sur ARCHITECTES MAGAZINE.

Après une rénovation particulièrement spectaculaire, place à l’espace culturel.

Cet ilot de quiétude entouré d’installations ferroviaires, d’industries et d’habitats imposants se fait l’écrin de cette belle bâtisse rénovée et prête à accueillir ses premières expositions. La maison de Maître est classée monument historique d’importance régionale. Son parc et ses tilleuls, la fontaine et la terrasse du café des Tilleuls se prêtent à une petite halte insolite, hors du temps.

A l’image des encyclopédies participatives, La Ferme des Tilleuls entend être un site collaboratif ouvert qui s’appuie sur un large réseau. Sa configuration et sa substance seront en constante évolution.

https://fermedestilleuls.ch/

L’article La Ferme des Tilleuls inaugurée le 13 mai 2017 est apparu en premier sur ARCHITECTES MAGAZINE.

Bernard Garo et Paulo David, photo Pascale Campiche

Casa das Mudas, prix Alvar Aalto 2012, photos Bernard Garo, Fernando et Sérgio Guerra

Texte Bruno Angiolini 

Tous deux sont des artistes passionnés par la nature, sa force et la brutalité qui façonne notre terre au gré des poussées telluriques. La fragilité de l’homme et de ses constructions apparaît dans l’oeuvre de Bernard Garo, exprimée au travers d’une centaine de toiles, réunies en apothéose de quinze années de travail dans ce lieu magnifique qu’est l’Espace Arlaud à Lausanne. Au travers de son périple aux confins du continent, Alexandrie, Reykjavik, Istanbul et Lisbonne, quatre villes marquées par les dévastations infligées par les forces colossales de la nature, Garo donne à réfléchir sur la fragilité de notre civilisation, instable et friable, condamnée à vivre au bord de l’abîme.

Exposition « Déflagration » et présentation du livre éponyme Espace ARLAUD, Lausanne,  jusqu’au 26 mars 2017  http://www.garo.ch

Paulo David est un architecte atypique, philosophe contemplatif de son ile natale de Madère, minuscule émergence d’origine volcanique dans l’immensité de l’Atlantique. Ici, l’océan est à la fois l’horizon et la proximité, omniprésent, brisant son horizontalité sans fin sur les hautes falaises abruptes de basalte noir du Sud de Madère.

Casa das Mudas, photos Bernard Garo, Fernando et Sérgio Guerra

L’architecte aborde l’intégration d’une construction dans le paysage avec une modestie absolue face à cette nature si puissante, ne laissant apparaître un élément construit qu’à l’expresse condition que sa trace, la blessure qu’il inflige dans la topographie, dans les matériaux mêmes, se limite à l’essentiel. Le bâti disparaît dans le paysage environnant, comme s’il avait toujours été là, observant le paysage sans le déranger. La réalisation de «Casa das Mudas Art Centre», qui a valu à Paulo David le prix Alvar Aalto 2012, est emblématique du respect que l’architecte porte au lieu dans lequel il bâtit.

A la rencontre de la verticalité de la montagne, l’horizontalité du paysage se prolongeant sur l’horizon infini de l’océan ne pouvait être brisée par une intervention de l’homme. L’architecte s’est donc appuyé sur cette ligne pour construire «à l’envers», soit en dessous de cet horizon. Le bâtiment n’occupe pas l’espace, il s’y insère sans heurter le paysage formé par le ciel, la terre et l’océan. On ne décèle la construction qu’une fois tout proche de la falaise et l’on aborde la construction par sa toiture, qui en devient sa façade principale.

On pénètre dans cette plateforme minérale qui recouvre le complexe muséal développé sur quatre niveaux et l’on s’arrête avec surprise dans le patio vitré qui révèle l’amplitude jusqu’ ici dissimulée du programme. Les salles d’expositions de différentes tailles sont épurées, simples cubes blancs s’effaçant pour mettre en valeur les arts auxquels elles sont dédiées. Le musée est conçu comme une promenade intérieure, passant d’une salle d’exposition à l’autre, avec des pauses permettant de revenir à la relation avec la mer, vers laquelle toujours le regard se tourne, captant par les ouvertures horizontales les espaces infinis de l’Atlantique et l’authenticité des matières de l’île bordée de rochers et de végétation. Un belvédère qui offre une impression d’être au bout du monde, adossé à la minéralité du basalte et plongé dans le bruit tumultueux de l’océan.

Une première rencontre à Madère, ou Bernard Garo est saisi par la convergence de ses réflexions, de son travail sur la matière, avec les constructions de Paulo David, l’insulaire passionné par la géologie, la formation de ce cône volcanique issu d’une éruption sous-marine à 5’000 mètres sous la ligne d’horizon. Les deux hommes se retrouvent à Lausanne, à l’occasion de l’exposition «Déflagration» et du vernissage du livre éponyme auquel Paulo David à contribué.

Visite de l’exposition «Déflagration», Espace Arlaud Lausanne avec Bernard Garo et Paulo David, photo Pascale Campiche

La maquette d’un projet d’habitation de Paulo David, suite de tranches d’élévations épurées, inspirent à Bernard Garo une oeuvre miroir, représentation d’une déchirure minérale dans la nature, dans la topographie d’un lieu.

Installation maquette Paulo David à l’Espace Arlaud et oeuvre miroir de Bernard Garo, photo Laurent Kobi

Synergie Paulo David et Bernard Garo au f’ar (Forum d’Architectures, Lausanne), photo Bernard Garo

Un autre projet interpelle Garo, un pavillon d’observation construit au sommet de l’ile de Madère, couverte par une forêt à la diversité unique. En partie détruite par le feu, la forêt a laissé place à un paysage lunaire, laissant apparaître le rocher, rendant au territoire son âpreté originelle.

Refuge de Paulo David et oeuvre miroir de Bernard Garo, photo Bernard Garo

La construction d’un abri et d’un observatoire pour les écologistes chargés de redonner vie à ce lieu s’inscrit dans la logique de Paulo David. Il propose une forme pyramidale minimale, forme qui appartient au territoire, comme les matériaux utilisés pour construire, le bois des pins trouvés sur place et qui n’ont pas brûlé, et même jusqu’à la cendre calcinée. L’escalier étroit qui conduit à l’observatoire est une apologie de la lenteur, ce temps nécessaire pour capter le territoire et comprendre le temps, les cicatrices et la fragilité qu’il impose. La synergie générée par cette rencontre entre Peinture et Architecture se conjugue en art majeur, sans limite, certainement pour d’autres projets à venir.

Voir l’article en pdf

http://issuu.com/dyodmagazine/docs/dyodmag17

L’article Paulo David Bernard Garo – De Madère à Lausanne est apparu en premier sur ARCHITECTES MAGAZINE.